Edvard Munch

Edvard Munch artista noruego de expresionismo y simbolismo nacido el 12 de diciembre de 1863, en Loten y murió el 23 de enero de 1944 en Oslo. Muy preocupado por cuestiones de la mortalidad humana como las enfermedades crónicas, la libertad sexual y las aspiraciones religiosas.

«No creo en el arte que no es el resultado del impulso compulsivo del hombre por abrir su corazón»

E. Munch

Resumen del artista Edvard Munch

El artista expresó sus obsesiones a través de sus obras con gran carga de colores intensos, semi-abstractas y con misterio en sus temáticas. Después del gran triunfo del impresionismo francés, Edvard Munch adoptó la sensibilidad más gráfica y simbólica del siempre influyente Pàul Gauguin y, a su vez, se convirtió en uno de los artistas más controvertidos y reconocidos entre la nueva generación de pintores expresionistas y simbolistas continentales.

Munch tenía un característico enfoque de todas las cosas orgánicas, evolutivas y misteriosamente instintivas. De a cuerdo con estos motivos, pero alejado decididamente de sus aplicaciones decorativas, Munch llegó a tratar lo visible como si fuera una ventana a una psicología humana no completamente formada, si no fundamentalmente perturbadora.

Las mejores obras de Edvard Munch

«En mi arte he tratado de explicarme la vida y su significado. También he tratado de ayudar a otros a aclarar sus vidas»

E. Munch

1885 El niño enfermo (The Sick Child)

Es una de las primeras obras de Munch, considerada por el artista como «un gran avance» por marcar el tono de su carrera inicial en la que la muerte, la pérdida, la ansiedad, la locura y las preocupaciones de un alma atribulada eran su tema principal. Dedicado a la hermana que murió Johanne Sophie.

El cuadro representa un joven de quince años postrado en la cama con una mujer afligida a su lado. Esta última probablemente representa a la madre de Munch que murió antes que Sophie, también de tuberculosis, once años antes. 

Las pinceladas ásperas, la superficie rayada y los tonos melancólicos de esta pintura revelan un recuerdo muy personal. La obra fue muy criticada por su «apariencia inacabada» cuando se exhibió por primera vez, pero aun así fue defendida por el mentor espiritual de Munch, Hans Jæger,

Óleo sobre lienzo – Tate Gallery, Londres

1890 Noche en St Cloud (Night in St. Cloud) Edvard Munch

Si el «niño enfermo» es un tributo con cariño a la hermana favorita de Munch, Johanne Sophie, Night in St. Cloud es un monumento mucho más complejo y oscuro al padre del artista que había muerto el año anterior. Creado poco después de la llegada de Munch a París, Night in St. Cloudrevela la influencia inmediata de los postimpresionistas Van Gogh y Toulouse-Lautrec. Cuyos numerosos retratos de figuras solas o habitaciones vacías informan este lienzo. 

El tributo de Munch a su padre se compone de una habitación oscura, aparentemente sagrada, bañada por una luz, de hecho, un espacio ocupado solo por sombras y quietud. La interpretación corresponde a su tensa relación. En otras pinturas que se centran en la muerte, Munch hizo que el sujeto estuviera físicamente presente; sin embargo, en este caso, la muerte del padre de Munch evoca sólo una sensación de frío abandono. Cabe destacar que esta obra presagia el período Azul de Pablo Picasso.

Óleo sobre lienzo – The National Gallery, Oslo

1893 El Grito Edvard Munch

No se puede exagerar la importancia de El grito de Munch en los anales del arte moderno. Se encuentra entre un grupo único, que incluye La noche estrellada de Van Gogh , Les Demoiselles d’Avignon de Picasso y Red Studio de Matisse. Estas obras son por excelencia el experimento modernista y la innovación duradera. La fluidez de la pincelada lateral y vertical de Munch se hace eco del cielo y las nubes en Starry Night , pero también se pueden encontrar los elementos estéticos del fauvismo, el expresionismo y tal vez incluso el surrealismo que surgen de esta misma superficie.

El escenario de The Scream Le sugirió al artista un paseo por una carretera con vistas a la ciudad de Oslo, aparentemente a la llegada o salida de Munch de un hospital psiquiátrico donde su hermana Laura Catherine había estado. No se sabe si el artista observó a una persona real angustiada, pero esto parece poco probable. Como Munch recordó más tarde, «Iba caminando por la carretera con dos amigos cuando se puso el sol; de repente, el cielo se puso rojo como la sangre. Me detuve y me apoyé contra la cerca … temblando de miedo, grito infinito de la naturaleza «.

Esta es una de dos versiones pintadas de El grito que Munch rindió alrededor de la vuelta de la 20 ^ªsiglo; el otro (c. 1910) se encuentra actualmente en la colección del Museo Munch de Oslo. Además de estas versiones pintadas, hay una versión en papel y una litografía.

Óleo, temple y pastel sobre cartón – The National Gallery, Oslo

1895 Madonna de Munch

Contemporánea con The Scream , Madonna de Munch se representa con pinceladas más suaves y pigmentos comparativamente tenues. Munch representa a la Virgen María de una manera que desafía todas las representaciones «históricas» precedentes, desde el naturalismo de la era del Renacimiento hasta el realismo del siglo XIX , de la casta madre de Jesucristo.

 Con un sentido de modestia transmitido solo por sus ojos cerrados, el desnudo parece estar en el acto de hacer el amor, su cuerpo se contorsiona sutilmente y se inclina hacia una luz indescriptible. 

De hecho, la Madonna de Munch puede ser una descripción modernista, aunque irreverente, de la Inmaculada Concepción. El halo rojo sobre la cabeza de la Virgen, a diferencia del habitual anillo blanco o dorado, indica una pasión dominante acorde con las interpretaciones del tema de la época barroca. Si bien, el propio artista nunca sucumbió por completo al fervor de la religión y las enseñanzas de su padre. Este trabajo sugiere claramente la constante disputa de Munch sobre la naturaleza exacta de su propia espiritualidad.

Óleo sobre lienzo – The National Gallery, Oslo

1895 La Pubertad

La agonía, la ansiedad y la pérdida son temas constantes a lo largo de la obra de Munch , pero tal vez en ninguna parte se unan con tanta fuerza como en Puberty de Munch. Es un retrato de la adolescencia y el aislamiento. 

La figura femenina solitaria y cautelosa es el símbolo de un estado de depresión y frustración sexual, que asolaron al propio artista durante toda su vida. Mientras la niña, aunque aparentemente tímida (a juzgar por su postura), indica todo lo contrario a través de su mirada franca.

La sombra que se avecina detrás de la figura insinúa el nacimiento de una criatura ominosa y sensible, tal vez una que ronda su habitación, si es que no es su propia personalidad naciente. Las cualidades estéticas del postimpresionismo todavía están muy presentes en el trabajo de Munch en este momento, pero lo que distingue a su trabajo es el poderoso elemento simbólico. Munch está pintando no necesariamente lo que ve, sino lo que siente frente a él. Munch solía pintar, de hecho, de la imaginación más que de la vida,

Óleo sobre lienzo – National Gallery, Oslo

1918 Arado de Primavera Edvard Munch

En los años tras la estadía en el hospital de Munch, el artista se alejó del estilo de vida de juerga y alcohol y dedicó sus días a su arte y al campo de su tierra natal. Mientras que en un momento el artista se refirió a sus pinturas como «mis hijos», en ese momento comenzó a referirse a ellos como «mis hijos con la naturaleza». 

Esta inspiración recién descubierta, en forma de manos de granjeros, animales y el paisaje noruego, llevó el arte de Munch en una dirección completamente nueva, una que celebra la vida y el trabajo, en lugar de la ansiedad y la pérdida. 

En primavera arando, se puede ver la inspiración que Munch tomó de Franz Marc, mucho más joven, cuyas pinturas expresionistas fueron inspiradas originalmente por Munch, quien tenía una inclinación por pintar animales en su entorno natural. El período de Munch de crear obras simbolistas-expresionistas verdaderamente originales había pasado desde entonces, indicado por obras similares de esta época y su tema inocente. Sin embargo, la madurez de la pincelada y la paleta de esta pintura demuestran claramente la mano de un maestro.

Óleo sobre lienzo – Museo Munch, Oslo